Искусство

Содержание раздела

ЭНЦИКЛОПЕДИЯ

Искусство капиталистических стран XX в.

XX век — век острых противоречий, глубоких социальных конфликтов, разочарований и вместе с тем надежд всего человечества, век настойчивых исканий новых, более совершенных путей развития человеческого общества. По сложности исторических процессов XX век резко отличается от предшествующих периодов развития общества. В большинстве буржуазных стран с конца XIX в. совершается переход капитализма в высшую и последнюю стадию его развития — империализм. Могущественные капиталистические монополии завоевывают господство. Социальные противоречия, и прежде всего противоречие между трудом и капиталом, обостряются до предела. Вместе с тем XX век стал и веком победоносных пролетарских революций, всемирно-историческое значение^ которых научно обосновали еще в XIX в. К. Маркс и Ф. Энгельс, а затем на деле блестяще доказал пролетариат России, руководимый партией большевиков во главе с В. И. Лениным.

XX век стал временем распада колониальной системы, временем образования первого социалистического государства — СССР, а в дальнейшем и могучей системы социалистических стран, строящих новое, бесклассовое общество.

Господствующая в капиталистических странах буржуазия пытается найти выход из социальных противоречий в подавлении демократических свобод, в военных авантюрах, в культивировании тоталитарных фашистских методов правления, в насаждении расовой вражды, в апологии крайнего индивидуализма. Буржуазия использует для своего утверждения все средства идеологического воздействия на народные массы. Она лицемерно представляет капиталистический мир эксплуатации как мир свободы и процветания.

Буржуазные художники постепенно отходят от правдивого показа действительности, от раскрытия противоречий жизни. Искусство, создаваемое буржуазными художниками, начинает развиваться по пути развлекательности, натуралистической зрелищности, бездумной декоративности и пропаганды капиталистического образа жизни. Оно переходит на путь чистого формотворчества, субъективной произвольной деформации мира. Порой доходит до прямого выражения реакционных идей. Познавательное значение такого искусства утрачивается, и оно переживает упадок.

Но поскольку в буржуазном мире живут и борются за свои права трудящиеся, там существует и развивается демократическая культура, и в частности реалистическое искусство, утверждающее положительный образ человека труда, человека — борца за гуманистические идеалы. Продолжает жить и искусство критического реализма, возникшее в XIX столетии, появляются ростки социалистического реализма, который становится после Великой Октябрьской социалистической революции в России могучей силой, несущей в массы передовые идеи эпохи, воплощенные в художественные формы.

Вот на этом прогрессивном реалистическом искусстве XX в., достигающем расцвета в капиталистических странах в период подъема демократического освободительного движения, мы остановим свое внимание в этой статье, проанализируем, что ценного, нового принесло передовое искусство XX в. по сравнению с искусством XIX в., что утратило из его завоеваний.

Мы обнаруживаем в искусстве XX в. стремление запечатлеть особый характер современной жизни с ее динамикой общественных событий, конфликтами и противоречиями, напряженностью человеческих чувств и переживаний. Эти тенденции в начале XX в. наиболее ярко выразились в реалистической скульптуре, и прежде всего в творчестве французского скульптора Эмиля Антуана Бурделя (1861 — 1929), ученика Родена. Сын коммунара, художник демократических взглядов и смелых дерзаний, он запечатлел в монументальной скульптуре образы людей активной воли, с сильными характерами, с напряженными чувствами и большими идеями. Его знаменитый «Геракл, стреляющий из лука» (бронза, 1909, Национальная галерея, Прага) — воплощение неукротимой энергии, целеустремленности, заложенных в человеке. Могучий торс героя в страстном порыве откинут назад, руки, вытянутые в одну линию, в своем движении, кажется, перерастают в гигантскую стрелу, готовую сорваться с тетивы лука. В грандиозной бронзовой конной статуе аргентинского генерала Альвеара (1915 — 1923, Буэнос-Айрес) Бурдель воплотил образ огромной драматической силы. Аллегорические фигуры Свободы, Победы, Красноречия и Силы полны строгой и суровой красоты. Бурдель создал серию скульптурных портретов. Среди них портреты А. Франса (1919), О. Родена (1909), Д. Энгра (1908). Его Бетховен (1902) — сгусток творческой энергии, трагического величия и революционной патетики.

Другое направление реалистической скульптуры этого времени представлено также французским скульптором Аристидом Майблем (1861 — 1944), художником, который стремится вернуть современную скульптуру к ее классическим античным истокам и полон веры в естественную природную красоту человека. Излюбленный образ Майоля — женщина, исполненная чистоты, здоровья, душевных сил.

Созданные скульптором образы полны безмятежного покоя и совершенства. Свой идеал красоты художник воплотил в статуе «Помона» (1910, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Москва).

Основной жанр, в котором работает третий французский скульптор — Шарль Деспьо (1874 — 1946), — психологический портрет. Он остро воспринимает неповторимые, индивидуальные черты лица своих моделей, их характер и внутренний мир. Деспьо избегает внешних эффектов. Главная сила его портретов — в их убедительной правдивости. Таково девичье лицо Полетты, исполненное трепета жизни и душевного тепла («Полетта», 1939, собрание Лопес, Алжир), такова Кра-кра — девочка с косичками, доверчиво и удивленно глядящая на мир широко раскрытыми глазами («Кра-кра», 1917, Музей, Гренобль).

Большой интерес представляет творчество итальянского скульптора Джакомо Манцу (р. 1908), развивающего традиции реалистической пластики XX в. Скульптурные образы Манцу обладают философским содержанием. Они экспрессивны и монументальны. Замечательны его рельефы для «Врат смерти» собора св. Петра в Риме (бронза, 1947 — 1964). Используя в них традиционные евангельские сюжеты, Манцу аллегорически рассказывает о жестоких преступлениях фашистов в Италии. Рельефы эти плоскостные, или углубленные (см. ст. «Скульптура»), скульптор лишь процарапывает контуры изображения.

Манцу — мастер психологического портрета, о чем свидетельствует, например, выражение лица в статуе «Большой кардинал» (1955, Международная галерея современного искусства, Венеция).

Стремление к реализму, конструктивной ясности и вещественности форм было ведущей тенденцией развития скульптуры в первом десятилетии XX в. Но одновременно в этот период возникает и другая тенденция, порывающая с реализмом. Многие скульпторы отрекаются от воспевания красоты человека, деформируют и дробят формы его тела, лишают его образ гуманистического содержания, чтобы внушить людям мысль о безнадежности борьбы за существование. Одно за другим возникают формалистические направления, как правило, быстро прекращающие свое существование.

Формалистические течения в живописи, скульптуре и графике первых десятилетий XX в. обычно объединяются понятием модернизм (от французского слова moderne — «современный», «новейший»; термин «модернизм» следует отличать от термина «модерн», применяемого для обозначения стиля в искусстве 1890 — 1900-х годов; см. ст. «Русское искусство конца XIX — начала XX в.»). В действительности все новаторство художников-модернистов ограничивается отказом от реалистических форм, от жизненной правды в искусстве. В их исканиях преобладает защита субъективных тенденций в искусстве, уход от жгучих социальных проблем современности.

Первым крупным формалистическим течением в Западной Европе был кубизм, он возник в 1907 г. Художники-кубисты исходили из мысли, что в основе натуры лежат простые геометрические объемы. В своих картинах они разлагали предметный мир на простейшие геометрические формы. В поисках объемно-пластических первоэлементов вещей кубисты отказываются по существу от передачи качественного своеобразия предметов, от образа человека, от передачи чувств и идей, от постижения общественного содержания жизни.

С нарастанием кризиса и противоречий в капиталистическом обществе после катастрофы первой мировой войны в буржуазном искусстве все более распространяется идея отрицания разума, проповедуются отчаяние, страх перед действительностью, представляемой в виде хаоса. Одним из основных течений в искусстве становится абстракционизм. Художники-абстракционисты не передают реального мира, предметную достоверность его (поэтому абстрактное искусство называют беспредметным, неизобразительным), они отрицают объективное существование мира, ищут выход в замыкании в «личные мирки». Композиции их холстов и графических листов состоят из разнообразных плоскостей, красочных пятен, линий.

Другое реакционное течение буржуазного искусства — сюрреализм (это слово в переводе значит «надреализм»). Сюрреалисты ставят перед собой цель показать в искусстве галлюцинации больного воображения, кошмарные сны, мистические видения. Абсурд и безумие для них единственные закономерности мира. Они считают, что умственное помешательство — идеальное состояние для творческого процесса. Цель такого искусства — лишить зрителя воли, разума, активности.

Однако в модернистском искусстве XX в. были и художники, творчество которых выходило за пределы программ модернизма, ибо они продолжали искать связь с жизнью, стремились решить большие социальные проблемы.

Наиболее последовательно реалистический метод проявляется в творчестве Алъбера Марке (1875 — 1947), прекрасного французского живописца, привлекающего ясностью и поэтичностью взгляда на окружающий мир. Сын железнодорожного служащего, Марке провел детство в Бордо. Он полюбил морские просторы, динамичную жизнь портового города. Излюбленным жанром его стал городской индустриальный пейзаж. Изображая город, порт, парижские набережные, Марке постигает своеобразную современную красоту города, его особый ритм жизни. Пейзаж в его картинах предстает преображенным руками человека, обогащенным его кипучей трудовой деятельностью.

В картине «Неаполитанский залив» (1909, Эрмитаж, Ленинград) все полно движения, пространство как будто напоено мерцающим светом и морским воздухом, поверхность воды отражает меняющееся освещение неба. Жизнь человека и природы исполнена энергии, движения («Порт Гавр», 1934, собрание Марке, Париж). Гуманистическое восприятие единства человека и природы сочеталось у Марке с прогрессивностью общественных демократических взглядов. Марке был страстным патриотом, членом Французской коммунистической партии.

Яркую страницу искусства XX в. представляет творчество Анри Матисса (1869 — 1954). На протяжении всей жизни художник создавал произведения, поражающие щедрой красочностью, исполненные жизнерадостности и ликования. Картины Матисса — это монументальные декоративные полотна, по-плакатному лаконичные. Матисс восхищался красотой природы, противопоставляя ей несовершенство и дисгармонию окружающего социального мира.

Матисс писал натюрморты, интерьеры, виды Парижа, пейзажи Северной Африки, Южной Франции. Он никогда не переставал работать над образом человека, не раз воплощал свои замыслы в многофигурных композициях («Семейный портрет», 1911, Эрмитаж, Ленинград). Однако он не стремился к объемно-предметной передаче форм, к сходству с натурой, к сюжетному развитию действия» Красоту окружающего мира Матисс раскрывал с помощью чистых красочных пятен, насыщенных солнечным светом (синих, зеленых, желтых, киноварных), контрастных, но гармонично уравновешенных. Но орнаментальность, плоскостность композиционных построений не превращали полотна Матисса в декоративный ковер, ибо в них таится по-новому воплощенное содержание. В натюрморте «Красные рыбы» (1911, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Москва) цветочные кусты, закругленные контуры кресла, кажется, вращаются вокруг круглого стола с аквариумом, где плавают рыбы. Все на земле находится в постоянном движении — как бы говорит художник.

Но несмотря на все эти достоинства, искусству Матисса свойственны односторонность и противоречивость. Сохранение оптимизма и безмятежного, эпикурейского миропонимания достигнуто им лишь путем сознательного ухода от душевных драм современного человека.

Одна из характерных особенностей искусства XX в. — многоликость творчества художников, разнообразие и контрастность их творческих исканий. Именно к такого рода художникам принадлежал испанский художник Пабло Пикассо (1881 — 1973), живший всю жизнь во Франции. Сложность и противоречивость окружающей жизни буржуазного общества заставляли его постоянно искать новые средства художественного выражения этих противоречий. Художник ставил перед собой и чисто декоративные задачи и экспериментировал с формой произведений, однако чаще всего с необычайной настойчивостью искал ответов на животрепещущие социально-философские и эстетические вопросы века.

Уже в ранний период творчества Пикассо проявляет чуткость к трагедии человека, к неустроенности человеческой судьбы, обращается к жизни обездоленных людей. Внимание художника привлекает внутреннее- состояние героев, мир человеческих чувств, психология людей — он передает ее с удивительной проникновенностью и остротой. Достаточно взглянуть на картину «Любительница абсента» (1901, Эрмитаж, Ленинград), чтобы убедиться в том, с какой силой и лаконичностью художник выразил тему глубокого одиночества и безнадежности.

Э. А. Бурдель. Геракл, стреляющий из лука. 1909. Бронза. Национальная галерея. Прага.

В рисунке «Мать и дитя» (1904, Музей Фогт, Кембридж, штат Массачусетс, США) мы видим не счастье материнства, а тревогу и беспокойную заботу юной матери о судьбе хрупкого ребенка. Они выражены то угловатыми, то плавными линиями рук, гибкой фигуры и грустно склоненной головы.

Своеобразие метода Пикассо, проявляющееся в заострении контрастов, подмеченных в жизни, особенно ярко выражено в картине «Девочка на шаре» (1905, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Москва). Девочка кажется беззащитной в окружающем мире и вместе с тем беззаботно смелой. Угрюмость неподвижного, тяжеловесного атлета словно озарена ее мимолетной шаловливой улыбкой.

Новый этап в развитии творчества Пикассо знаменует портрет Воллара (1910, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Москва). Фигура, лицо изображаемого человека словно растворяются в россыпях дробно изломанных геометрических пластинок. Их произвольная игра порождает чувство тревоги, призрачности жизни. Таким приемом Пикассо усиливает эмоциональную остроту образа Воллара, но вместе с тем создает у зрителя ощущение зыбкости и хаотичности окружающего мира, душевной смятенности самого художника. Осознавая дисгармоничность, уродливость капиталистической действительности, Пикассо ищет новые формы для выражения противоречий мира, в котором он живет. В 20 — 30-х годах творчество Пикассо соприкасается с сюрреализмом. В это время он создает образ женщины с деформированными чертами лица — сгусток ужаса и страдания («Плачущая женщина», 1937, собрание Пенроз, Лондон).

В 30-х годах Пикассо приходит к бунту против жестокой действительности капиталистического общества, к программно-политическому протесту. Одним из первых художников он обличает фашистов, участвует в освободительной борьбе своей родины — молодой Испанской республики (серия сатирических офортов «Мечты и ложь генерала Франко», 1937). Его огромное панно «Герника» (28 м², 1937, Музей современного искусства, Нью-Йорк) — протест против разрушения маленького города басков, уничтоженного за одну ночь фашистской авиацией. Но разрушение Герники, запечатленное художником, — это не только трагическое выражение отчаяния перед лицом кровавых преступлений фашизма, но и жгучий протест против бесчеловечности современного капиталистического общества.

А. Матисс. Танжер. Вид из окна. 1912. Холст, масло. Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Москва.

П. Пикассо. Девочка на шаре. 1905. Холст, масло. Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Москва.

Деятельность Пикассо в рядах движения Сопротивления во время второй мировой войны и в движении сторонников мира в послевоенные годы помогла ему понять прогрессивные идеи современности. В 1944 г. он стал членом Французской коммунистической партии. Пикассо награждали Международной премией мира (1950) и Международной Ленинской премией «За укрепление мира между народами» (1962). Его знаменитый рисунок «Голубь мира» (1947) стал символом мира и счастья всего чело вечества.

Создание и укрепление мировой системы социализма, победа национально-освободительных революций, расширение и углубление противоречий империализма — все те события, которые составляют главное содержание современного исторического развития, оказывают огромное влияние на искусство. Передовые общественные силы, ведущие борьбу против империалистической реакции, видят в реалистическом искусстве могучее средство борьбы за социальный прогресс.

Революционная тематика, рассказ о борьбе против угнетателей, о повседневной жизни народа, открытая критика буржуазного уклада жизни завоевывают прочное место в живописи и графике стран Западной Европы, а также США, Японии и др. В Италии, где в пору борьбы с фашизмом сформировалось революционное искусство, социальные темы, волнующие народ, раскрыты особенно глубоко. Ведущую роль в искусстве Италии играли борцы движения Сопротивления, возглавляемые крупным художником современности Ренато Гуттузо (р. 1912). Внук гарибальдийца, участник подпольного антифашистского движения, член Центрального Комитета Коммунистической партии Италии, Гуттузо создал искусство, захватывающее зрителя своей энергией, своим заостренным социально-этическим содержанием. Серия его рисунков «С нами бог!» (1944 — 1945), «Распятие» (1941, собрание Р. Гуттузо), «Расстрел партизан» (1952), «Битва Гарибальди у моста Амиральо» (1951 — 1952, Милан) полна сурового мужества, напряженного драматического действия, беспощадной правды. Гуттузо создает композиции на темы истории своей страны, борьбы крестьян за землю, нового уклада современного города, жизни батраков в Калабрии и Сицилии и т. д. Его герои полны несгибаемой жизненной силы и воли, они живут напряженной внутренней жизнью, им дороги общественные интересы.

Д. А. Сикейрос. Народ — университету, университет — народу. 1952 — 1954. Рельефная мозаика, этил-силикат. Ректорат университета. Мехико.

Р. Кент. Эскимос в каяке. 1933. Холст, масло. Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Москва.

О. Нимейер. Здание Национального конгресса в г. Бразилия. 1960-е годы. Бразилия.

Среди больших полотен Гуттузо выделяется эпическая картина «Битва Гарибальди у моста Амиральо», изображающая, сражение за объединение и национальную независимость родины в XIX в. Эта историческая картина возникла под впечатлением борьбы итальянского движения Сопротивления против гитлеровцев, ее герои написаны с товарищей Гуттузо из отряда, носившего имя Гарибальди (см. т. 8 ДЭ, ст. «Гарибальди и его «Тысяча»). Умирающий гарибальдиец на переднем плане — сам Гуттузо. Художник как бы говорит нам, что он с теми, кто борется за свободу родины. Гуттузо был награжден партизанской медалью и золотой медалью Мира за серию антифашистских рисунков.

Интересны и острохарактерные, психологические образы современников, созданные художником. В своих полотнах Гуттузо достигает больших философских обобщений. Заостряя определенные черты в образе, он делает на них акцент. В картине «Воскресенье у калабрийского рабочего в Риме» (1960 — 1961, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Москва) уменьшение и нарушение пропорций лица позволяют выделить глаза, обострить во взоре выражение глубокой задумчивости. Динамические мазки черных и красных клеток рубахи, напряженный желто-золотистый цвет архитектуры рождают настроение взволнованности. Цвет в картинах Гуттузо крайне насыщен, контрастные краски играют активную эмоциональную роль в композициях. Все эти особенности стиля Гуттузо характеризуют новый реалистический стиль живописи Италии XX в.

Р. Гуттузо. Битва Гарибальди у моста Амиральо. 1951 — 1952. Холст, масло. Библиотека Фельтринелли. Милан.

В развитии реализма XX в. большую роль сыграли художники американского континента. Еще в начале XX в. здесь выдвинулась группа «Восьмерка», в которую вошли художники, участвовавшие в выставке 1908 г. В их картинах, запечатлевших задворки, трущобы, ночлежки, жалкие жилища бедняков большого капиталистического города, была критика буржуазного американского процветания. Озлобленная американская буржуазия дала этим художникам прозвище «Школа мусорного ящика». Из числа художников, примкнувших к «Восьмерке», выдвинулся Рокуэлл Кент (1882 — 1971), крупный представитель демократического реализма в современном американском искусстве. Главное место в его творчестве заняли произведения, рассказывающие о жизни народов Гренландии, Аляски, Огненной Земли. Восхищение природой, не тронутой цивилизацией, сочетается в его произведениях с острым чувством современности. Художник находит величие в отважных жителях Севера, в их могучих характерах, внутренней чистоте. Его идеал сильного, свободного человека воплощен в графике. Он иллюстрировал книги американских, западноевропейских писателей и свои литературные произведения. Кент был выдающимся общественным деятелем — защитником мира и демократии.

Дж. Манцу. Рельефы для «Врат смерти». 1947 — 1964. Бронза. Собор св. Петра. Рим.

Острые социальные проблемы современности нашли свое отражение в искусстве Латинской Америки. Именно здесь под влиянием антифеодальной борьбы крестьянских масс и молодого революционного пролетариата, под воздействием развивающегося коммунистического движения сформировалось новое искусство, сложился новый тип художника — политического борца и агитатора. Выдающиеся художники Мексики X. К. Ороско, Д. Ривера и Д. А. Сикейрос, участники буржуазно-демократической революции 1910 — 1917 гг., возродили национальные виды искусства — фреску и мозаику для того, чтобы пропагандировать революционные идеи в действенных монументальных формах, близких народу. Они опирались на народный фольклор, национальные традиции древней живописи ацтеков, культуры майя (см. ст. «Искусство древней и средневековой Америки»).

Художники расписывали стены общественных зданий фресками на темы истории страны, жизни народа, его революционной борьбы, созидательной деятельности, воплощая гениальные идеи В. И. Ленина о монументальной пропаганде передовых революционных идей в искусстве.

Фреска Хосе Клементе Ороско (1883 — 1949) в Национальной подготовительной школе в Мехико (1922 — 1927) повествует о том, что революция не обходится без жертв, что она требует колоссального напряжения сил и воли народа.

Сцены вооруженной борьбы рабочих, аграрной реформы, борьбы с неграмотностью запечатлены в фресках Диего Риверы (1886 — 1957). Стены «Двора труда» Министерства просвещения украшены изображениями, посвященными труду (1923 — 1924).

Ф. Мазерель. Гравюра на дереве из серии «Город». 1925.

Л. Мендес. Жажда. 1948. Линогравюра.

Давид Альфаро Сикейрос (1898 — 1974) видит в искусстве средство воспитания народа и преображения жизни. Его фрески занимают все пространство стены, как бы вторгаясь в реальную жизнь. Они рассчитаны на обозрение с большого расстояния (росписи госпиталя в Мехико, 1955). Сикейрос обновил технику настенной живописи, применив новые материалы, например пироксилиновые краски, которые прекрасно держатся на бетонной стене (росписи и пластические мозаики на стенах университета в Мехико, 1952 — 1954). Сикейрос освобождается от этнографичности и подражания древним и пользуется для выражения своих идей символическими формами. В грандиозной фреске «Новая демократия» (100 м², 1945, Дворец изящных искусств, Мехико) устремленная к зрителю гигантская аллегорическая фигура женщины с трагическим лицом захватывает страстностью надежд, глубиной отчаяния и тревоги.

Мексиканские художники утвердили общественное значение монументального искусства, доказали, что оно способно решать проблемы большой социальной значимости.

Характер современной жизни больших капиталистических городов с их колоссальным населением, напряженным темпом жизни выдвигает в изобразительном искусстве на первое место графику, так как она может немедленно откликаться на политические события современности и является одним из наиболее массовых видов искусства. Графика в XX в. проникает во все области жизни в виде иллюстрации, газетной и журнальной, бытовой и политической сатиры, карикатуры, рекламы, афиш, плакатов (см. ст. «Графика»).

Лучшие достижения графики XX в. связаны с идеями социализма, с выступлениями в защиту светлого будущего человеческого общества, с революционным движением. Творчество Кете Кольвиц (1867 — 1945), крупнейшего графика нового времени, посвящено рабочему классу и крестьянству Германии. Художница создает большие драматические циклы офортов, с болью она повествует в них о жизни тружеников в буржуазной Германии, об их нужде, страдании и гибели от непосильного труда и политического гнета. Мы видим в ее листах изнуренные, суровые лица рабочих и крестьян, сгорбленные костлявые фигуры, натруженные руки, темные, убогие лачуги. Исполненное глубокого драматизма, творчество Кольвиц овеяно и пафосом революционной борьбы. Сдержанные в скорби, ее герои неистовы и отважны в моменты социальных потрясений. Суровостью социального обличения отличается цикл «Крестьянская война» (1903 — 1908). Рассказывая о подготовке и поражении Крестьянской войны в Германии 1524 — 1526 гг., Кольвиц намекает на события, происходящие в современной ей Германии. Потрясает своим динамизмом офорт «Прорыв». Вооруженная гневная толпа восставших крестьян исступленно, сплошным потоком устремляется на врага. Художественный язык Кольвиц лаконичен, рисунок живописен, полон динамики, построен на сильных контрастах света и тени. Кольвиц одна из первых создала монументальный революционный плакат. Приветствуя Октябрьскую социалистическую революцию и возникновение Страны Советов, она исполнила плакат, призывающий цивилизованные народы помочь голодающим Поволжья, — «Помогите России!» (1921) и литографию «Хлеба!» (1924).

К числу неутомимых борцов за высокие гуманистические идеалы принадлежит бельгийский график Франс Мазерель (1889 — 1972), работавший во Франции. Социальные контрасты, напряженность общественной и политической борьбы — главные темы его творчества. Его художественный язык краток, чеканен, решителен. Призывный тон его гравюр придает им характер прокламаций, плакатов. Одна из центральных тем его творчества — капиталистический город. Она завершается, находит выражение в большой серии «Город» (1925). Кружащиеся огни кафе и банков, сияющие фасады кино и как контраст - трагедии в кварталах нищеты, беспросветное одиночество выброшенного за борт жизни человека.

Гравюры Мазереля — это романы без слов. Его графические листы объединены единым сюжетом, раскрывающим историю героев, сложные жизненные конфликты. «Крестный путь человека» (1918) — взволнованная повесть о жизненном пути простолюдина, о внутреннем его росте, о стремлении к знанию и свету («Читающий рабочий») и о безвременной гибели борцов за социальную справедливость («Расстрел»). Трагический пафос этого листа создается напряженным контрастом черного и белого, боевую позицию в передовом искусстве графики занимают мексиканские художники, входящие в объединение «Мастерская народной графики» (создано в 1937 г.). Мексиканские графики изобличают североамериканский империализм, рассказывают о жизни народа, его страданиях и надеждах, активно, силой искусства борются за мир против угрозы атомной катастрофы. Руководитель «Мастерской народной графики» — Леопольда Мёндес (1902 — 1969). Его произведения посвящены большим социальным проблемам, его герои — люди несгибаемых характеров, смело смотрящие в лицо смерти (гравюра «Казнь», 1949). Для усиления эмоционального воздействия образов Мендес вводит пейзаж. Так, в линогравюре «Жажда» (1948), раскрывающей тему упорной борьбы человека с природой, пустынный, выжженный солнцем пейзаж обостряет драматизм сцены.

Вторая мировая война усилила фронт прогрессивных художников-графиков, пополнила его новыми именами, новыми темами, вызванными политическими и военными событиями последних десятилетий. В искусстве Японии особенно настойчиво звучит протест против войны, американских военных баз и полигонов, требование запрещения атомного и водородного оружия. И не случайно наиболее демократические, прогрессивные художники капиталистических стран, стоящие на позициях гуманизма, обогатившие свое творчество живительными струями социалистического реализма, избраны почетными членами АХ СССР. Это живописцы Р. Гуттузо и Р. Кент, Д. А. Сикейрос и Д. Ривера, скульптор Дж. Манцу и финский архитектор А. Аалто.

Рядом с художниками, показывающими трагические стороны действительности, мы встречаем мастеров яркого юмористического дарования. Среди них датский художник Херлуф Бидструп (р. 1912) — создатель злободневных, острых политических карикатур, обличающих империализм, агрессивную военщину и шовинизм. За широкую деятельность в защиту мира Бидструпу, а также Манцу, Сикейросу и Кенту была присуждена Международная Ленинская премия «За укрепление мира между народами».

Крупным современным сатириком является и художник-график Жан Эффёлъ (р. 1908) — продолжатель просветительской традиции французской культуры. Эффель создал карикатуры, сатирически раскрывающие суть политических событий современности, юморески, посвященные истории, народному быту. Веселый, насмешливый, чисто французский юмор отличает жизнерадостную графику Эффеля, и особенно его антирелигиозные произведения («Сотворение мира», 1950; «Юность Адама», 1961).

Подъем в развитии демократической революционной графики 50 — 70-х годов в капиталистических странах способствует дальнейшему усилению значения идейного реалистического искусства, которое все более вытесняет реакционные, формалистические течения.
 

перейти к началу страницы